viernes, 31 de mayo de 2013

Cine Sonoro

Cine Sonoro

Y al final, se hizo la voz!

Desde los orígenes mismos del cine hubo interés en añadirle sonido a las imágenes logradas. Ya en 1899 apareció un sistema de sonido de cine proyectado conocido como fonorama, basado principalmente en el trabajo que el inventor suizo François Dussaud expuso en París; similar al kinetófono, el sistema requería el uso individual de auriculares. Un sistema mejorado basado en el cilindro, fue desarrollado por Clément-Maurice Gratioulet y Henri Lioret, de Francia, permitiendo presentarse cortometrajes de extractos de teatro, ópera y ballet en la Exposición de París de 1900. Estas parecen ser las primeras películas exhibidas públicamente con la proyección tanto de imagen como de sonido grabado.



Se puede rastrear a la primera película sonora a 1895, cuyo proceso fue re-descubierto y mejorado por una empresa francesa (con un gramófono) en 1910. En 1913, Thomas A. Edison anunció que todos los problemas del cine sonoro se habían resuelto y mostró lo que él llamó "la primera película sonora". Al igual que en los esfuerzos anteriores, “Nursery Favorites” utilizaba un gramófono para sincronizar con la película. Pero había un problema: la película se proyectó en la velocidad equivocada, y la banda sonora fue frenada por error. Este problema ocurrió con demasiada frecuencia, y Edison frustrado abandonó su proceso.

     En 1921 D. W. Griffith emplea varios expertos para filmar una buena introducción sonora para su película “Dream Street”, y la realización no tuvo problemas. Griffith pronto dejó de usar el sonido, porque él pensó que era un suicidio financiero, diciendo que "Sólo el 5% del mundo habla Inglés, así que ¿por qué debería perder el 95% de mi audiencia?".

     El imperio del cine mudo comenzó a tambalearse en 1925 cuando la productora Warner comenzó a experimentar en los Vitagraph Studios de Nueva York, que había comprado recientemente, con una nueva tecnología. Llamada Vitaphone, constaba de una serie de discos de larga duración con música y efectos sonoros, además de ruidos de fondo.



El proceso Vitaphone resolvió el problema de sincronización electro-mecánica, correspondiendo la velocidad de proyección con el disco grabado utilizando el mismo motor para ambos dispositivos. Aunque complicado, tanto en la grabación (edición era imposible) y reproducción (discos eran frágiles), Vitaphone representa la cúspide de la innovación tecnológica, aunque sea brevemente.

     Esta innovación fue introducida públicamente el 6 de agosto de 1926, con el estreno de la película de casi dos horas “Don Juan” (dirigida por Alan Crosland); el primer largometraje en emplear un sistema de sonido sincronizado durante toda la película, pero sin diálogo grabado. En otras palabras, había sido pensada y rodada como una película muda. Además, no causó gran sensación, ya que en la época era común tener a un grupo de músicos y creadores de efectos que acompañaran a la proyección del film. Acompañando a Don Juan, no obstante, había ocho cortos de interpretaciones musicales, grabadas con sonido en directo. Estas se consideran las primeras películas sonoras exhibidas por un estudio de Hollywood.



El 6 de octubre de 1927, se estrenó “El cantante de jazz” (The jazz singer), también de Warner Bross, y realizada con el sistema vitaphone; no era totalmente hablada sino que mantenía la acción acompañada de los textos para, en algunos momentos, dar paso a la música, el sonido y la voz. Cuando su protagonista, Al Jolson pronuncia las palabras “Hey, Mum, listen to this…!” (Hey, mami, escucha esto...) para anunciar una canción (con su voz grabada en vivo en el set), el entusiasmo del público fue inmediato: por primera vez los labios se movían y la voz llegaba a los espectadores. Fue un gran éxito, ganando más de $ 2.5 millones en los Estados Unidos y en el extranjero, casi un millón de dólares más que el anterior récord para una película de la Warner. Si bien muchos consideran que el éxito de El cantante de jazz fue debido en gran parte a Jolson, una de las más grandes estrellas musicales de Estados Unidos, los considerables beneficios fueron prueba suficiente para la industria de que valía la pena invertir en la tecnología.





Arriba: Afiche de la película El cantante de jazz y fotograma de
Al Jolson en una parte de su interpretación en dicho film.
Abajo: vídeo de la película The Jazz singer

Pero había varios sistemas de sonido en desarrollo que no eran intercambiables y los grandes estudios como MGM y Paramount fueron cautos y decidieron esperar y ver qué pasaba hasta bien entrado 1929. El sistema más práctico, el sistema Movietone de Fox (sonido en la película), finalmente ganó y Warner abandonó los discos grabados en 1930, pero mantuvo la marca vitaphone ante el público hasta la década de 1940.

     A corto plazo, la introducción de la grabación del sonido en directo causó importantes dificultades en la producción. En los primeros experimentos se oía todo lo que hacía ruido: las puertas chirriaban, las bofetadas parecían explosiones, los besos sonaban como bloques de madera golpeándose…




Técnicamente, rodar una película sonora era complicado: el estudio (un lugar antes ruidoso por el ir y venir de actores y equipo) se tuvo que convertir casi en un santuario en donde un simple estornudo podía arruinar la toma; la cámara, al arrastrar la cinta con un motor en marcha, hacía imposible que estuviera cerca de los actores, por lo que se la tuvo que encerrar en una caja insonorizada (operador incluido, que usualmente se asfixiaba por el poco aire y no escuchaba las indicaciones del director); también, al no poder moverlas durante la escena favoreció el rodaje con múltiples cámaras. Las exigencias del sistema hacían que la velocidad de la cámara fuera más rápida, siendo necesario iluminar mucho más el decorado; la necesidad de estar dentro del rango de los micrófonos fijos significó que los actores tuvieran que limitar sus movimientos de manera poco natural, recordar largos diálogos y recitarlos con la mayor naturalidad posible, además de recordar dónde estaba escondido el micrófono.


     Aunque le indicaban cómo hablar al micrófono, Lena (Jean Hagen en
Cantando bajo la lluvia), continuamente se olvidaba, por lo que deciden
cosérselo al vestuario…

Todos estos inconvenientes están hilarantemente retratados en la comedia musical de Stanley Donen y Gene Kelly “Cantando bajo la lluvia” (Singin’ in the rain, 1952).

     Todo se volvió rígido y aparatoso y la fluidez narrativa lograda por el cine mudo retrocedió varios casilleros. Con tantas limitaciones técnicas, la mayoría de las películas eran lentas y estáticas, además de tener eternos recitados para justificar la publicidad de “100% habladas!”.

     Los dos mayores problemas entonces eran la mala calidad del sonido y lograr la sincronización perfecta entre dos aparatos diferentes. Esto motivó que las soluciones tecnológicas a estos inconvenientes fueran urgentes. Se crearon nuevas carcasas para las cámaras, diseñadas para ahogar el ruido que ellas mismas producían y nuevos micrófonos direccionales además del famoso boom que podía mantenerse fuera del encuadre y seguir a los actores. También se consiguió ampliar el volumen y el rango de frecuencia.

En plena filmación. Nótese en la esquina inferior
derecha la cabina en donde se colocaba la
cámara para “insonorizarla”.

Además, el milagro de poder oír la voz de las estrellas supuso para muchos el final de una magnífica carrera. Algunos tenían un fuerte acento extranjero o tenían imperfecciones en su dicción y otros simplemente no tenían voces atractivas. Hubo preocupaciones relativas a la calidad vocal general y el casting de intérpretes por su habilidades dramáticas en papeles que también requerían talento cantando. Para 1935, la regrabación de los diálogos por los actores originales o por diferentes actores en post producción, se había convertido en una práctica habitual.

     Otra consecuencia del cine sonoro fueron las llamadas “versiones múltiples”. Si antes se cambiaba el idioma de letreros para exportar las películas a cualquier parte, Hollywood se dio cuenta que ahora se requerían películas que no fueran en inglés. Llamaron entonces a directores, guionistas, actores de Francia, Alemania, España, entre otros, para poder rodar al mismo tiempo versiones en diferentes idiomas: tras cada toma, un equipo de actores abandonaba el set y otro entraba para hacer lo mismo pero en otro idioma. En este “caos” de versiones múltiples y subtítulos, el técnico Jakob Carol ideó una forma para resolver los problemas que había introducido el sonoro: el doblaje.


 

El cine sonoro llega a Europa un par de años después. Se irá imponiendo, aunque a un ritmo más lento que en EE.UU. Los empresarios y los explotadores de las salas cinematográficas tuvieron que renovar sus salas y adaptarlas a las nuevas técnicas, mientras que los espectadores seguían algo desconcertados.

     Unos pocos directores vieron las formas en que el sonido podía emplearse como una parte integral para contar una historia, más allá de la función obvia de la palabra grabada. En la primera película hablada comercialmente exitosa en Europa, “Chantaje” (Blackmail, 1929) Hitchcock manipuló la reproducción del monólogo de un personaje de manera que la palabra "cuchillo" saltaría de un borroso flujo de sonido, reflejando la impresión subjetiva del protagonista, que está desesperado por ocultar su implicación en un terrible apuñalamiento.



En su primera película, “Aplauso” (Applause, 1929) de Paramount, Rouben Mamoulian creó la ilusión de profundidad acústica variando el volumen del sonido ambiente en proporción a la distancia de las tomas. En cierto punto, Mamoulian quería que la audiencia escuchara un personaje cantando mientras al mismo tiempo otro rezaba; según el director, "Dijeron que no podríamos grabar las dos cosas -la canción y la oración- en un micro y un canal. Así que le dije al técnico de sonido, 'Por qué no usar dos micros y dos canales y combinar las dos pistas en post-producción?'”. Estos métodos finalmente se convertirían en el procedimiento estándar en la creación popular de cine.

     "Una película en donde los diálogos y los
efectos de sonido están perfectamente
sincronizados y coinciden con su imagen 
visual en la pantalla es absolutamente
contrario a los objetivos del cine. Es un
intento degenerado y descaminado para
destruir el uso real del cine y no puede
aceptarse que está dentro de los
verdaderos límites del cine." Paul Rotha - 1930

Directores como Eisenstein y Murnau (como lo había hecho antes Chaplin) la trataron con desdén. En especial la parte “hablada”, ya que admitían la música de fondo y los ruidos. No estaban muy errados en su recelo. Una avalancha de adaptaciones teatrales acapararon las producciones mundiales. Aunque al principio la gente se admiraba de oír las voces de sus estrellas favoritas, pronto estas obras filmadas se volvieron monótonas para el espectador.

     Sin embargo, “Melodías de Broadway” (The Broadway Melody, 1929) de Harry Beaumont sugirió lo que podía brindar la innovación del sonido, al presentar fastuosos números musicales con orquestas en vivo, lo que la hizo acreedora de un Oscar a mejor película. El film supuso además el inicio de una serie que mantendrían el título y se realizarían en 1936, 1938 y 1940.



El cine sonoro produjo una profunda transformación en la producción. Nacieron nuevos géneros y algunos entraron en crisis: el cine cómico, visual y mímico, declinó para dar paso a las sofisticadas comedias urbanas de principios de los años ’30 que cautivaba con sus brillantes diálogos. El western, desapareció hasta los años ’40.


El cine sonoro en Argentina

Ya desde 1907 los argentinos Eugenio Py y Enrique Lepage hicieron experimentos sonoros usando fonógrafos como fuente sonora. Pero no será hasta 1931 cuando el público argentino disfrute del primer largometraje sonoro nacional: “Muñequitas porteñas” de José A. Ferreyra, empleando el sistema Vitaphone de sincronización sonora.

     Hacia 1933 se da la llegada del sistema Movietone, el primero que permite guardar la banda sonora en el mismo soporte que la imagen. Nacen ese mismo año los dos primeros estudios cinematográficos del país: Argentina Sono Film y Lumiton.

     Los dos primeros films sonoros (sin discos), estrenados con una semana de diferencia en 1933 fueron “Tango”, dirigido por Luis José Moglia Barth y producido por Argentina Sono Film, y “Los tres berretines”, protagonizada por Luis Sandrini y producida por Lumiton.




Arriba, fotograma y afiche de Tango!
Abajo, Los tres berretines

La industria del cine en la Argentina se inició en la práctica con la llegada del sonido óptico. Con la incorporación del sonido, serán la radio, la industria discográfica y el teatro de revistas los que aportarán actores (voces) ya conocidas por la gente. La banda de sonido llegaría a ser tan importante que incluso se exigía a los actores que entonaran canciones, a pesar de no estar preparados para ello. Así se puede llegar a considerar que el sonido es tan importante en el cine argentino, dado que sin él posiblemente no hubiera existido una industria. El cine mudo no había logrado en el país acceder a un gran público.


Lic. Diana Lombardo
E-mail: dlombardo74@gmail.com



martes, 14 de mayo de 2013

Premios Oscar 2013

Premios Oscar 2013



Principales premios de la 85 Edición de los Oscar

(Producciones del 2012)

Mejor película 
Argo  

Nominadas
Amor (Amour)
La niña del sur salvaje / Bestias del sur salvaje
(Beasts of the Southern Wild)
Django sin cadenas (Django unchained)
Los miserables (Les Misérables)
Una aventura extraordinaria (Life of Pi)
Lincoln
El lado luminoso de la vida (Silver Linings Playbook)
La noche más oscura (Zero Dark Thirty)








Mejor director
Ang Lee por Una aventura extraordinaria

Nominados
Michael Haneke por Amor
Benh Zeitlin por La niña del sur salvaje
Steven Spielberg por Lincoln
David O. Russell por El lado luminoso de la vida






Mejor actor principal
Daniel Day-Lewis por Lincoln

Nominados
Bradley Cooper por El lado luminoso de
la vida
Joaquin Phoenix por The Master
Denzel Washington por El vuelo (Flight)
Hugh Jackman por Los miserables






Mejor actriz principal

Jennifer Lawrence por El lado luminoso de la vida

Nominados
Jessica Chastain por La noche más oscura
Quvenzhané Wallis por La niña del sur salvaje
Emmanuelle Riva por Amor
Naomi Watts por Lo imposible






Mejor actor de reparto 
Christoph Waltz por Django sin cadenas

Nominados
Philip Seymour Hoffman por The Master
Robert De Niro por El lado luminoso de la vida
Alan Arkin por Argo
Tommy Lee Jones por Lincoln












Mejor actriz de reparto
Anne Hathaway por Los miserables

Nominadas
Sally Field por Lincoln
Jacki Weaver por El lado luminoso de la vida
Helen Hunt por Seis sesiones de sexo (The sessions)
Amy Adams por The Master















Mejor película de habla no inglesa

Amor: Michael Haneke (Austria)

Nominadas
No: Pablo Larraín (Chile)
Un asunto real (En kongelig affære / A Royal Affair): Nikolaj
Arcel (Dinamarca)
Rebelde / War Witch (Rebelle): Kim Nguyen (Canadá)
Kon-Tiki: Joachim Rønning, Espen Sandberg (Noruega)













Mejor guión original
Django sin cadenas: Quentin Tarantino
Nominadas
Amor: Michael Haneke
El vuelo: John Gatins
Moonrise Kingdom - Un reino bajo la luna
(Moonrise Kingdom): Roman Coppola, Wes
Anderson
La noche más oscura: Mark Boal












Mejor guión adaptado
Argo: Chris Terrio

Nominadas
La niña del sur salvaje: Lucy Alibar, Benh Zeitlin
Una aventura extraordinaria: David Magee
Lincoln: Tony Kushner
El lado luminoso de la vida: David O. Russell






Mejor fotografía
Una aventura extraordinaria: Claudio Miranda











Mejor dirección artística
Lincoln: Rick Carter, Jim Erickson















Mejor vestuario
Anna Karenina: Jacqueline Durran
















Mejor banda sonora
Una aventura extraordinaria: Mychael Danna












Mejor canción
“Skyfall”, de Operación Skyfall: Adele Adkins, Paul Epworth















Mejor largometraje animación
Valiente (Brave)










Lic. Diana Lombardo
E-mail: dlombardo74@gmail.com


miércoles, 18 de julio de 2012

Natalie Portman

Natalie Portman (9 de junio de 1981)

Reconocida por interpretar personajes listos y más maduros que los de su edad y considerada por algunos como “la nueva Audrey Hepburn”, Natalie Portman es una de las actrices jóvenes con más impronta en la pantalla. Se enorgullece de ser considerada como modelo para las jóvenes y toma papeles que sean positivos para seguir, por ejemplo dijo que nunca estaría en una película de terror o ninguna “tipo Jennifer Love Hewitt”.

     Natalie Portman nació el 9 de junio de 1981 en Jerusalén, Israel, bajo el nombre de Natalie Hershlag, hija única de un ginecólogo especialista en fertilidad y un ama de casa, y se hizo mundialmente conocida en 1994 luego de participar en el film de acción “El perfecto asesino” (Leon) también conocida como “León, el profesional”.


     En 1984 la familia se mudó a Estados Unidos. Si bien no tuvo su Bar Mitzvah (sus padres son más seculares que judíos religiosos) fue a una escuela Judío Conservadora (en donde estudió en inglés y hebreo) para preservar su amor por Israel.


     Desde joven supo lo que quería. Durante las vacaciones, Natalie participaba de campamentos de actuación. A los diez años audicionó para el musical “Ruthless”, un show off-Broadway (independiente) en el que trabajó con Britney Spears en papeles secundarios. En 1994, fue descubierta en una pizzería y originalmente no pasó el casting para “El perfecto asesino” por ser muy joven. Luego de conseguir el papel, cambió su apellido por el de su madre para mantener cierta privacidad y proteger a su familia.


El perfecto asesino
"Tuve una mala experiencia cuando salió ‘El perfecto asesino’. Estaba muy orgullosa de la película, pero era extraño para mí ser vista como un objeto sexual a los 12 años”.


En los ’90 hizo una seguidilla de papeles de “hija”, que fueron creciendo en importancia. Participó en “Fuego contra fuego” (Heat, Michael Mann), “Todos dicen te quiero” (Everybody says I love you, Woody Allen) (según ella es su peor actuación debido a su incapacidad de improvisar), “Marcianos al ataque!” (Mars attacks!, Tim Burton) y “Beautiful Girls” (Ted Demme). Si bien fue la primera opción para interpretar a Julieta en “Romeo + Julieta” de Baz Luhrman (hasta se hicieron pruebas de cámara con ella y Di Caprio), los productores pensaron que era muy joven y que la diferencia de edad con Di Caprio se vería “rara” (en  1996 ella tenía 15 y Di Caprio 22).

Todos te dicen te quiero

Beautiful Girl
En 1997 rechazó el papel principal de “Lolita” de Adrian Lyne debido a su incomodidad respecto a la exposición al sexo de jóvenes actores en películas. Este reparo queda claro en sus propias palabras: “Es horrible ser un objeto sexual a cualquier edad, pero al menos como adulto podés tomar la decisión de si querés degradarte”.

     En el mismo año  rechazó un papel en “El señor de los caballos” (1998) para participar de la adaptación para teatro de “El diario de Anna Frank”, mientras aparecía en la primera de las precuelas de Star Wars. Antes de ser contratada para Star Wars nunca había visto las originales Star Wars y no podía diferenciar entre Star Trek y Star Wars. Esta saga la hizo conocida para la mayor parte de la audiencia, pero  no le significó un gran esfuerzo actoral. El mayor desafío consistió en grabar con fondo azul (que luego recibe los escenarios generados por computadora) o hablar a una pelotita que marcaba donde estaban los ojos de algún personaje, también generado con efectos especiales.


Y ante su duda de participar “Cambio de vida” (Anywhere but here) por tener una escena de sexo, su director, Wayne Wang y su compañera Susan Sarandon (alegando esta última no estar interesada en el proyecto si Natalie no participaba) consiguieron hacer reescribir el guión para que se integrara al film. La película se estrenó en 1999 y recibió una nominación a mejor actriz de reparto en los Golden Globe.

La fuerza del amor
En 1999 faltó a la premiere de “Star Wars Episodio I: La amenaza fantasma” (Star Wars: Episode I - The Phantom Menace) para estudiar para sus exámenes finales del colegio secundario. En el 2000 participa de “La fuerza del amor” (Where the heart is) en el papel de una madre adolescente. Esta película contiene su primera escena de amor en pantalla. Luego de esta película, Natalie comienza sus estudios en Harvard para conseguir su Licenciatura en Psicología.

     Siempre priorizó la educación a su carrera cinematográfica, ya que dudaba si actuar seguiría siendo su pasión al crecer o habría algo que la entusiasmara más.

     En los siguientes años, sólo participó de las precuelas de Star Wars y se dedicó por completo a sus estudios. En el verano del 2000 filmó el Episodio II, en el verano del 2001 participó de la obra de teatro “The Seagull” junto a Meryl Streep, Kevin Kline y Philip Seymour Hoffman. Comentó que durante este tiempo descubrió que actuar era mucho más sobre el proceso que sobre el producto. Más aún cuando pudo espiar un anotador que Philip Seymour Hoffman tenía con preguntas y respuestas sobre los sentimientos de su personaje. Apareció brevemente en “Zoolander” y en “Regreso a Cold Mountain”.

     En el 2003 se recibió en Harvard en la carrera de Psicología. Y participó de investigaciones científicas sobre la memoria.


     Ama viajar. A fines del 2003 y principios del 2004 viajó sola a Marruecos y Guatemala. En 2004 apareció en “Tiempo de volver” (Garden State), ganadora a mejor película en los “Independent Spirit Awards”.

Tiempo de volver
En la primavera de ese año completa un semestre en la Universidad de Jerusalem.

     También ese año realiza “Closer, llevados por el deseo” (Closer), en la que interpreta a una bailarina de striptease que se ve envuelta en un enredo amoroso de cuatro puntas. Este papel, más osado que lo que venía haciendo, le representa un premio Golden Globe como actriz de reparto y una nominación al Oscar en la misma categoría.


     Definió el film y su participación en él de la siguiente manera: “No es explotador, pero es sobre sexo. Es definitivamente diferente para mí, pero me siento lo suficiente grande para manejarlo. Entiendo mejor cómo lidiar con la publicidad y eso no me afecta. No tengo que ir a la escuela al día siguiente y tener gente que diga 'Oh, te vi en tal película, estabas bastante indecente".

Closer
“Realmente no soy mojigata sobre hacer desnudos. Creo que es bello en los films y el sexo es una parte muy importante de la vida y la desnudez es obviamente nuestro estado natural. No es la cuestión. El asunto es que siento que es algo externo a lo que estás haciendo. Y eso también se puede usar luego para otros propósitos”.


En el 2005 llegan Star Wars III, Free Zone y “Los fantasmas de Goya”, film de Milos Forman en el que es contratada sin que el director haya visto ninguno de sus films anteriores pero por lucir “como una pintura de Goya”. De todas maneras, su participación en este film no fue del todo cómoda, ya que tuvo que realizar una escena donde es torturada y a la que definió sentir “inapropiada para ella".

     Como dato curioso está lo que tuvo que vivir al llegar a Londres para unas retomas de la tercera precuela de Star Wars. Guiándose por su tamaño (mide 1,60 m), un guardia de seguridad le preguntó si viajaba con un guardián (cosa que es obligatoria al ser menor de edad).

“Empecé Star Wars cuando tenía 14 años y tendré 24 cuando la última se estrene, así que estas películas son 10 años de mi vida y ahora estoy tratando de hacer algo diferente”.


A comienzos del 2006 se estrena la adaptación del comic “V por Vendetta” en donde interpreta a una joven salvada de la policía secreta por el protagonista, V. Trabajó con un coach vocal para aprender el acento inglés y se popularizó por su cabeza rapada. Sobre el aspecto político del film, Portman comentó que por ser de Israel quiso hacer este film, ya que las conversaciones sobre terrorismo y violencia fueron parte de su vida desde muy pequeña.

V por Vendetta
Aprendió a tocar el piano para participar ese mismo año del film “El mundo mágico de Magorium” (Mr. Magorium Wonder Emporium), acompañando a Dustin Hoffman. Dirigida por Wong Kar-Wai  interpretó a una apostadora en “El sabor de la noche” (My blueberry nights) en 2007 y al año siguiente apareció en “La otra Bolena” (The other Boylen girl), drama histórico acompañada por Scarlett Johanson y Eric Bana. Un mes antes de comenzar a rodar comenzó a tomar clases diarias para refrescar su acento británico nuevamente.

La otra Bolena

El mundo mágico de Magorium
Antes de aparecer en 2009 junto a Jake Gyllenhaal y Tobey Maguire en “Hermanos” (remake del film homónimo danés de 2004, dirigido por Susanne Bier), se la pudo ver en un vídeo clip de Paul Mac Cartney, un cortometraje de Wes Anderson (“Hotel Chevallier”, prólogo de “Viaje a Darjeeling”) y como jurado en el Festival de Cannes de 2008, además de hacer su debut como directora con el cortometraje “Eve” (donde una joven acompaña a su abuela a una cita romántica). Este corto es el único de su productora “Handsomecharlie Films” en el que no actúa.


     Una de las mejores interpretaciones de Portman se pudo ver en “El cisne negro” de Darren Aronofsky (2010). Para prepararse pagó por sus propias clases de ballet entrenando entre 5 a 8 horas diarias y bajó 9 kilos.


“Soy una persona muy baja y se suponía que debí verme más estilizada, y se luce más alta cuando no tienes la mayor parte de ti, lo cual es enfermo. Toda la situación. Estoy consciente de que es enfermo”.
El cisne negro
Natalie Portman aseguró que uno de los mayores desafíos en este film fue su voz. El director Mike Nichols, que trabajó con ella en “Closer” la criticó constantemente sobre lo infantil que normalmente suena su voz y la alentó a buscar un entrenador vocal para que sonara más profunda y adulta. El rol de Nina requería que volviera a su voz añiñada lo que la hizo sentir que regresaba a un punto que había trabajado duro por dejar atrás.

     Por este film ganó el Golden Globe y el Oscar a mejor actriz. Gran alboroto se armó cuando una de las dobles de cuerpo de Portman en el film contó que la actriz sólo había bailado un 5% del total, mientras que el director y Natalie Portman seguían afirmando que ella había interpretado cerca del 80% de los bailes.

“Sí tuve una doble para las piruetas más complicadas,  pero todo lo que pude hacer yo ahorraba miles de dólares en efectos especiales”.





La exigencia física y mental de este personaje la llevó a un grado de agotamiento tal que tuvo que rechazar el papel de Lisbeth Salander en “La chica del dragón tatuado” (2011).



“Hubo noches en las que realmente pensé que iba a morir. Fue la primera vez que entendí cómo te podés envolver tanto en un personaje que puede derribarte”.


Black Swan (El cisne negro)
En enero de 2011 se convirtió en la nueva cara de Dior para la campaña “Miss Dior Cherie”. El 27 de  febrero aparece un vídeo del diseñador top de la casa John Galliano haciendo comentarios anti semitas. Portman realiza una declaración condenando las acciones de Galliano, especificando que estaba “shockeada y disgustada” y que como judía orgullosa se negaba a asociarse con él desde este momento. Ya que la campaña estaba pautada para salir dos días después de que se conoció el vídeo, Dior tuvo que tomar medidas legales para llegar a un arreglo y mantener a Portman como vocera. Galliano fue despedido el 1º de marzo y la campaña siguió su camino original.

Miss Dior Cherie
Cambiando de género, convencida de que no se ven suficientes comedias buenas, el próximo film sería una comedia romántica junto a Ashton Kutcher, “Amigos con derechos” (No strings attached), del que fue también productora ejecutiva. “Siempre he querido hacer comedias románticas. Pero las chicas siempre están a la moda y es siempre sobre su ropa. Siempre quieren casarse al final. Siempre hay una escena de cambio de imagen. Ese tipo de cosas me ofende”. Su personaje en este film es una chica independiente que no viste precisamente a la moda y el casamiento no es una prioridad.

No strings attached (Amigos con derechos)
Luego otra comedia, “¿Su alteza?” (Your highness), junto a Danny McBride y James Franco y la adaptación de Kenneth Branagh de “Thor”.

     En febrero del 2012 se confirmó su participación en dos proyectos de Terrence Malick pautados para su estreno en 2014.

“Diría que mis amigos y mi familia son mi pasión y paso el mayor tiempo con ellos. Amo bailar, no necesariamente ballet y amo ver bailar también. Esas definitivamente son mis pasiones".


Natalie Portman es vegetariana desde niña y se “convirtió” en vegana desde 2009, es decir que no come productos animales ni usa pieles, plumas o cuero. Sólo dejó este estilo de vida durante su embarazo, en donde volvió a ser vegetariana, para darle los suplementos necesarios a su hijo Aleph y debido también a su deseo incontenible de huevos y queso. El padre del niño es el bailarín Benjamin Millepied, que trabajó como coreógrafo para “El cisne negro”. Luego de comprometerse en 2010, se casó en 2012.

Alfombra roja de los Oscars (febrero 2011)
"Amo estar en casa. Mi trabajo me lleva estar afuera mucho tiempo y  se siente como estar en vacaciones cuando estás en tu casa y podés estar en la cama todo el día. De todas formas añoro viajar y he tenido increíbles viajes a muchas partes del mundo”.

También desde joven a defendido las causas en defensa del medio ambiente así como a apoyado las actividades anti-pobreza, por lo que ha viajado a Uganda, Guatemala y Ecuador como embajadora de Finca, una organización que promueve micro emprendimientos para mujeres que comienzan sus propios negocios. Ocasionalmente asila perros callejeros.

Premios:
Ganó Oscar, Bafta y Golden Globe  por El cisne negro - Nominada al Oscar y al Bafta, ganadora del Golden Globe por Closer.
  • Es una de las 9 actrices que ha ganado el Oscar, el Bafta el Critic’s Choice Award, el Golden Globe y  el SAG por el mismo trabajo. Ella lo hizo por “El cisne negro”, las otras fueron: Julia Roberts, por “Erin Brocovich”(2000), Reneé Zellwegger por Regreso a Cold Mountain (2003), Reese Whiterspoon por “Johnny and June” (2005), Helen Mirren por “La reina” (2006), Jennifer Hudson por Dreamgirls (2006), Kate Winslet por “El lector” (2008), Mo´nique por “Preciosa” (2009) y Octavia Spencer por “Historias cruzadas” (2011).
  • Entre Sus actrices favoritas se cuentan Audrey Hepburn, Meryl Streep y Diane Keaton.
  • Mira a Meryl Streep, que es fenomenal, monstruosamente hermosa y de alguna manera es bizarro que ella nunca haya sido un sex symbol. Pero fue siempre sobre ella, y ahora no importa que esté envejeciendo, porque queremos seguirla viendo siendo una persona interesante".
  • Su actor favorito es Ben Kingsley.


"Tengo unos 400 guiones sobre el Holocausto. Eso te
pasa por ser una actriz abiertamente judía!”


Filmografía seleccionada:
2011 - Thor ………………………….. Jane Foster
2011 - ¿Su alteza? ................... Isabel
2011 - Amigos con derechos ……………………….. Emma Kurtzman
2010 - El cisne negro …………………………….. Nina Sayers
2009 - Hermanos …………………………. Grace Cahill
2009 - New York, I Love You …………………….. Rifka
2008 - La otra Bolena …………………………….. Anne Boleyn
2007 - Mr. Magorium's Wonder Emporium  …………………….Molly
2007 - Hotel Chevalier (short) ………………….. Jack's Girlfriend
2007 - Viaje a Darjeeling ……………………… Jack's Ex-Girlfriend
2007 - El sabor de la noche  …………………….Leslie
2006 - Los fantasmas de Goya ………………………………… Inés / Alicia
2006 - Paris, je t'aime ………………… Francine
2005 - V de venganza ……………………….. Evey
2005 - Free Zone …………………………….. Rebecca
2005 - Star wars: Episodio III - La venganza de los sith …………….. Padmé
2004 - Closer: Llevados por el deseo ………………………….. Alice
2004 - Tiempo de volver ……………………….. Sam
2003 - Regreso a Cold Mountain …………………… Sara
2002 - Star wars: Episodio II - El ataque de los clones ……………Padmé
2000 - Where the Heart Is …………………………. Novalee Nation
1999 - Cambio de vida ………………………. Ann August
1999 - Star wars: Episodio I - La amenaza fantasma ……… Reina Amidala / Padmé
1996 - ¡Marcianos al ataque! .......................... Taffy Dale
1996 - Todos dicen te quiero ……………………………. Laura Dandridge
1996 - Beautiful Girls …………………….. Marty
1995 - Fuego contra fuego ………………….. Lauren Gustafson
1994 - El perfecto asesino ……………….. Mathilda

Lic. Diana Lombardo
E-mail: dlombardo74@gmail.com